jueves, 3 de diciembre de 2009

¿De Coachella al Monumental? (nota actualizada)



De lejos, la reaparición de Paul Mac Cartney fue el hecho más importante del reciente festival de Coachella (California). A lo largo de tres horas de show, Paul hizo un repaso a casi toda su carrera musical de más de cuatro décadas, pero, además, rindió un homenaje a emblemáticos himnos de los fallecidos George y John como Something y Give Peace a Chance.

Ahora suena cada vez más la posibilidad de que Sir Paul llegue a Lima en agosto próximo, como parte de su gira de despedida que se inició el año pasado y que durará dos años.

Hasta el cierre de este post, la noticia de su visita no estaba confirmada del todo, pero de concretarse, sin duda sería el acontecimiento más grande en la historia del rock de nuestro país.

Los dejo con el sensacional set de canciones que Sir Paul presentó en Coachella. ¿Gozaremos de lo mismo?

SET

Jet
Drive My Car
Only Mama Knows
Flaming Pie
Got To Get You Into My Life
Let Me Roll It
Honey Hush
Highway
The Long And Winding Road
My Love
Blackbird
Here Today
Dance Tonight
Calico Skies
Mrs. Vanderbilt
Eleanor Rigby
Sing The Changes
Band On The Run
Back In The USSR
Something
I Got A Feeling
Paperback Writer
A Day In The Life/Give Peace A Chance
Let It Be
Live And Let Die
Hey Jude
Birthday
Can’t Buy Me Love
Lady Madonna
I Saw Her Standing There
Yesterday
Helter Skelter
Get Back
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
The End

CRUCEMOS LOS DEDOS!!!!


PD: Lo de Paul en Lima en el 2009 quedó en nada, un simple rumor, aunque todo hace suponer (en un 99,9%) que sí vendrá a tierras incaicas en el 2010. Supongo que el concierto no se realizará en la explanada del Monumental de la U, pero tampoco en el Estadio Nacional porque para esa fecha continuarán los trabajos de remodelación para los Panamericanos del 2019. Sospecho que el coloso de la Universidad San Marcos abrirá sus puertas para recibir a este ídolo eterno. Dicen que Dios es brasileño, pero parece que de vez en cuando se pone la bicolor. Ah!...también se ha confirmado la venida de U2. El 2010 se viene con fuerza.

martes, 1 de diciembre de 2009

Canciones de guerra

De los muchos filmes que abordaron el conflicto bélico entre Estados Unidos y Vietnam, existen unos cuantos que, por su calidad en imagen, narración y sonido, han dejado una huella imborrable en la historia de la cinematografía mundial.

Si hablamos de bandas sonoras, estas películas han incluido canciones de los grupos y solistas que en los sesentas y parte de los setentas eran los más famosos y representativos. Las letras, en muchas de estas composiciones, eran verdaderos himnos en los cuales se narraban la feroz y sangrienta realidad que tuvo que afrontar toda una generación de jóvenes norteamericanos; antes, durante y después de dicho conflicto.

A continuación, presentamos una lista de películas que incluyeron en su banda sonora a canciones que, con el tiempo, se han ido convirtiendo en verdaderos clásicos de rock; y cuya valoración, en la mayoría de casos, ha sobrepasado la coyuntura bélica para las cuales fueron creadas.





























jueves, 26 de noviembre de 2009

Canciones de jueves

Falta poco para que el jueves llegue a su fin.
No es nostalgia pero algo me impulsa hablar de él.
Me gusta el jueves porque está cerquita al viernes, que es el mejor día de todos.
Pocos maldicen al jueves como sí al lunes, al miércoles o, peor aún, al domingo por las noches; aunque su amanecer tampoco genera amplias sonrisas ni amagos de libido.
El jueves no es para enamorarse y menos para morirse.
El jueves destaca por su perfil bajo y clima templado, por eso me gusta.
Simplemente es un día para vivir bien y dejar que sus horas pasen hasta que caigan las sombras triunfales del viernes.
El jueves vive con pasión su rol, pero cuando revela su lado musical, los otros días callan y lo escuchan con atención.







lunes, 23 de noviembre de 2009

¿Plagiando a Dylan?

El peor pecado que un artista que se respete puede cometer es plagiar la idea de otro. Peor aún es que, si al quedar en evidencia, este bribón no reconozca su falta e intente lavar su mugroso acto escudándose en la risible justificación del “homenaje” o “admiración”. No es el caso de aquellos que, basándose en una fórmula anteriormente empleada, usan su cerebrito para modificarla, adaptarla o retorcerla (según sea el caso y el propósito) y lograr un buen producto sin que se les tilde de copiones.

Todo esto viene a colación del videoclip de la canción Subterranean homesick blues (1965), de Bob Dylan, cuya conceptualidad nacida de sus propias neuronas, estriba en el uso de cards o tarjetas de memoria y que en su tiempo fue catalogado como algo novedoso y sorprendente. Posteriormente, algunos directores tomaron prestado ese rapto de genialidad dylanesco para incluirlo en sus videoclips promocionales. Total, como dice el “Flaco” Spinetta: todas las hojas son del viento”, y las ideas también. Veamos algunos ejemplos.

Subterranean homesick blues - Bob Dylan
Canción del álbum Bringing it all back home, de 1965, su video también fue catalogado uno de los primeros de la historia de la música. Aunque en todo momento la cámara permanece inmóvil, su brillantez innovadora radica en el concepto ideado por mismo Dylan de ir desechando tacos de tarjetas con palabras y frases de la canción. Eso no lo había hecho nadie hasta ese momento. Tan sencillo videoclip fue grabado en la parte trasera del hotel Savoy de Londres y en él aparece el poeta beatnik Allen Ginsberg haciendo un cameo. Los ojos y oídos acuciosos notaron un error: mientras Dylan canta “eleven dollars bills”, la tarjeta muestra “20 dollar bills”. ¿Error involuntario o deliberado? Conociendo a Bob tal parece que fue lo segundo.


Mediate - Inxs
Hallucinate
Desegregate
Mediate
Alleviate
Try not to hate
Love your mate
Don't suffocate
On your own hate
Designate

Aparentemente son palabras y frases inconexas que no dicen nada, pero que Andrew Farriss (compositor de la canción) se las arregló para acoplar sonidos y fabricar así otro hit para el multiplatino álbum Kick, de 1987. En el video, cada uno de los integrantes del grupo, con excepción del saxofonista Kirk Pengilly, va mostrando y soltando las tarjetas, al mismo estilo de Dylan, y -en el colmo de la originalidad- también se dan el lujo de cometer el mismo error que el video de Bob en una de las palabras o frases; ¿cuál?, abre bien lo ojos y los oídos y descúbrelo tú mismo.


Misfit - Curiosity Killed The Cat
Cuarteto británico de estirpe ochentera que supo combinar el pop con elevadas dosis de soul, jazz y funky. El video de tan buena canción de 1986 fue dirigido nada menos que por Andy Warhol, quien aparece con rostro desencajado al inicio y al final del videoclip, desechando tarjetas, aunque éstas están en blanco, sin nada qué declarar. Sólo a un verdadero ícono del arte moderno como Andy se le ocurriría convertir el detalle en blanco, o sea la nada, en una especie de homenaje a otro prodigio contemporáneo como Dylan.


Like Dylan in the movies - Belle & Sebastian
En lo personal, los Belle & Sebastian me suenan suaves y blandos, y a veces hasta mansos y fofos. En realidad, no los soporto. Cada vez que he tenido que soplarme (por fuerza) uno de sus discos me he quedado petrificado en mi silla, como flotando en un mar de tedio. Sin embargo, en aras de seguir con este recuento de “homenajes” los mencionó por el detalle del título de la canción y la cortísima referencia al video sesentero de Dylan. Definitivamente, a estos escoceses les falta empilarse con más whisky. ¡Ah!...me olvidaba: la canción aparece en el álbum If you’re feeling sinister, de 1996. Alas y buen sueño…zzzz.


Bob – “Weird Al” Yankovik
La primera vez que vi a “Weird Al” Yankovic fue la vez que parodió la canción de Madonna, Like a Virgin, rebautizándola como Like a Surgeon. Genial desde todo punto de vista. Pero allí no quedó todo, las vetas de humor de Weird aumentaron hasta que en el 2003 realizó un remedo del video Subterranean homesick blues, en blanco y negro y hasta con un clon de Ginsberg, pero en un sucio callejón de algún suburbio londinense o neoyorquino, quién sabe. Sin embargo, al ver que el video carecía de mayores atractivos aparte de las tarjetas desechables, al humorista no se le ocurrió mejor idea que llenarlas con frases palíndromas (aquellas que se pueden leer de izquierda a derecha y viceversa), comenzando por el título de la canción, por supuesto. Parte de la letra dice:

I, man, am regal - a German am I / Never odd or even / If I had a hi-fi / Madam, I’m Adam / Too hot to hoot / No lemons, no melon / Too bad I hid a boot / Lisa Bonet ate no basil / Warsaw was raw / Was it a car or a cat I saw?

…y así sucesivamente. Siempre me han sorprendido aquellos que tienen la habilidad de construir esas extrañas entidades lingüísticas que son las palíndromas.




Salty Eyes - The Matches

Aunque extravagante, la idea de este grupo norteamericano de acopiar y destruir casi una cincuentena de televisores me parece superlativa. Shawn Harris, líder y guitarrista de la banda, dijo que la demolición de teles encierra un mensaje de protesta contra la televisión basura y, de paso, sentar la voz del grupo en favor del medio ambiente pues no usó ni una hojita de papel en el video.

viernes, 20 de noviembre de 2009

Carl Perkins y sus amigos


Como precursor del rockabilly, ese subgénero del rock que hizo mover el culo al mundo en los años cincuenta, Carl Perkins solía bailar como un psicópata sobre su guitarra sin alterar una sola nota de cada canción. Natural de Tennessee, este hijo de un humilde granjero se ganó a pulso el apelativo de “Rey del Rockabilly”. No era para menos, además de fecundar clásicos perpetuos como “Blue suede shoes” (su obra maestra), impulsó -casi sin querer queriendo- las carreras de famosos como Elvis Presley, The Beatles, Johnny Cash, entre muchos otros, quienes incrementaron su fama y fortuna al interpretar con sapiencia composiciones de Perkins, mientras éste se recuperaba de los magullones producto de un inoportuno accidente que lo sacó, en mejor momento, del circuito del show business. La vida es cruel a veces.

En 1985, y tras un periodo oscurantista del rockabilly en los sesentas y setentas, Carl, fiel a su casta rebelde y cansado de que se le recuerde por ser "el autor de la canción que canta Elvis", fue en búsqueda de su vieja guitarra para reverdecer viejos triunfos. Ese año apareció ante millones de telespectadores en un especial que hoy se considera material de culto: Carl Perkins and Friends: A Rockabilly Session. En él aparecen verdaderos "monstruos" de la talla de George Harrison, Eric Clapton, Ringo Starr, Dave Edmunds, Lee Rocker y Slim Jim Pathom (ambos de Stray Cats), Rosanne Cash (hija del gran Johnny), el primogénito de Perkins, Greg, y otros invitados. Todos ellos, de alguna manera, estuvieron allí para agradecer y rendir homenaje al "padre" que les inculcó toda esa pasión irrefrenable por el rock & roll que desplegaron a lo largo de sus carreras.

A continuación, los mejores fragmentos de ese extraordinario -e inédito para mí- concierto que merece verse y escucharse hasta que salga humo de los oídos y, si puedes, bailando hasta que tus "tabas" de gamuza azul desaparezcan.

jueves, 19 de noviembre de 2009

Roger Daltrey de The Who escribirá una autobiografía

El tiempo pasa y, aquellas personalidades que tuvieron una vida intensa, ya comienzan a pensar en dejar reflejadas sus memorias en un libro autobiográfico.

Ese fue el deseo que invadió a Roger Daltrey, el legendario cantante de The Who y una de las primeras y mas iconográficas estrellas del rock & roll, con todo lo que ello implica.

"Ahora, estoy pensando en una biografía. Este es probablemente el momento indicado. Sólo será la historia de mi vida y cosas que he hecho. Puede resultar algo interesante", declaró el mismo Daltrey a una radio on-line.

Con la intención de seguir marcando los vértices de su inminente publicación, el carismático inglés también señaló: "Me gusta ver como en mi vida se fueron superponiendo cosas como ser el cantante de The Who o una estrella de cine y un granjero a la vez...En mi vida hubo muchos cambios que se fueron superponiendo".

Sin embargo, los capítulos más jugosos del textos seguramente serán aquellos que hablen de los años locos junto a Pete Townshend, John Entwistle y, especialmente, Keith Moon.

"Fueron tiempos interesantes donde no todo era diversión, pero había un montón de diversión. El único problema con ello, es que la gente quiere basura divertida y no sé si estoy preparado para escarbar en todo eso", dijo tajante Daltrey.

Tomado de 10musica.com


martes, 17 de noviembre de 2009

Tres Cumpleaños Tres

Hoy, 18 de noviembre, en tres rincones del planeta, estos grandes músicos deben estar embriagándose (o sabe Dios metiéndose qué) y celebrando cada uno su respectivo onomástico.


Kirk Hammett (1962)
El guitarrista de Metallica se declara un tipo feo, oloroso pero feliz, muy feliz. Sus bebidas favoritas son el martini y el vodka sky. Esperemos que después de tocar en Lima, incluya al Pisco entre sus tragos inspiradores. De paso también suma a su lista de comidas favoritas la peruana, ya que hasta ahora Kirk prefiere la cocina mexicana, india y los spaghettis.




Herman Rarebell (1949)
Baterista de la banda teutona Scorpions. A diferencia de algunos músicos de su misma especialidad, Herman quemó hartas neuronas para crear grandes clásicos de la banda como "Another piece of meat", "Falling in love", "Make it real", "Arizona" y, por supuesto, la que viene a continuación...




John McFee (1950)
Guitarra y voz de Doobie Brothers, una de las bandas californianas más populares de la década del setenta. Le tocó bailar con la más fea cuando reemplazó al histórico Jeff "Skunk" Baxter en las cuerdas, pero lo hizo tan bien que el álbum que ayudó a grabar, "One Step Closer", se convirtió en disco de platino en 1980.




lunes, 20 de julio de 2009

CORTINAS CON HISTORIA

Para los que de niños tuvimos a la televisión como una de las pocas formas de entretenimiento, la "caja boba" forma parte importante de nuestras vidas. Algunos afirman que tiempo atrás, cuatro estaciones de televisión bastaban para ser felices; al contrario de hoy que, teniendo cientos de estaciones y la capacidad de "viajar al instante” de un lado para otro con solo pulsar el botón del control remoto, vivimos más tensionados y preocupados.

Quizás por el hecho de haber sido tan pocos canales de TV, es que recordamos mejor algunos programas y espacios, así como sus respectivas cortinas musicales con las cuales abrían o cerraban. Lo interesante es que este grupo de temas sirvió para darle cierta personalidad a estos espacios y fijarse en nuestro recuerdo de forma indeleble.

PANAMERICANA
Siempre pensé que ese “tuuuuuu…tutururututuu” había sido idea del mismo Genaro Delgado Parker, para ponerle ritmo y prestancia a la llamada "Esquina de la Televisión". La verdad es distinta. La melodía se titula Moon Moods y fue compuesta por el compositor inglés de obras teatrales Harry Revel, quien la incluyó en su álbum Music Out of the Moon (1947).La versión posteada es intepretada por la Orquesta de Leslie Baxter. Me pregunto si Genaro habrá pagado los derechos de autor a Revel. Lo dudo.




DISCO CLUB
Un programa pionero que, por esas cosas de la vida, tuvo su mayor momento de auge y gloria en el austero Canal 7. En la despedida de cada edición se solía escuchar a la voz de Gerardo Manuel Rojas diciendo: pórtense bien amiguitos, tomen toda su leche…y luego venía esta cancion:




Good night tonight (Paul McCartney & Wings)

Hasta donde la mente me da, las imágenes que acompañaban a Good night tonight no correspondían a la canción de Paul, sino al video de A routine day, canción que el grupo canadiense Klatuu lanzó en 1979. Se rumoreaba que esta banda estaba conformada nada menos que por los mismísimos Beatles, pero todo quedó en trascendidos.




A routine day

DEPORTES
En 1975, el músico canadiense André Gagnon compuso este maravilloso instrumental al que bautizó simplemente como Wow. Su ritmo palpitante, el potente y frenético bajo y la guitarra con efectos wah-wah lo han convertido en pieza ideal para abrir y cerrar transmisiones futboleras hasta la actualidad.




Wow

A principios de los ochenta, uno de mis programas favoritos era El Mundo del Deporte, que América TV transmitía los sábados por la mañana. Su cortina musical se titula Equinoxe 5 y pertenece al genial compositor francés de música electrónica Jean Michel Jarré.




Equinoxe 5

Otro tema que pareciera haber sido creado exclusivamente para enmarcar grandes momentos de gloria deportiva es este, de Emerson, Lake and Palmer: Fanfare for the common man.


Fanfare for the common man

POLÍTICA
Pulso
fue un programa político por excelencia. La cortina musical escogida para abrir y cerrar cada edición es obra del gran Evangelos Odysseas Papathanassiou. ¿Y quién es este Evangelos? Pues nada menos que el multipremiado músico griego Vangelis, quien compuso este instrumental para Blade Runner, la notable película de Ridley Scott. La empresa Torneos y Competencias y algunos programas de la cadena deportiva Fox Sports, la emplean también como cortina musical.




Blade Runner (End Title)

En algún momento, Alfonso Baella Tuesta fue un periodista serio que era admirado y respetado por la gente. Su enorme poder cuestionador del sistema político y su búsqueda incesante de la verdad lo convirtieron en un referente del periodismo peruano. Sin embargo, un día su corazón empezó a latir aceleradamente por Fujimori y todo su prestigio se fue a la tacho. Igual es bueno recordar su programa Frente a Frente, espacio de reportajes de índole social y político propalado los días sábados a partir de las 10:30 de la noche (¿?), a inicios de la década del ochenta. La cortina era nada menos que la versión instrumental de Call me, ese clásico de Blondie que se escucha en el soundtrack de American Gigolo (1979). Aquí va.




No recuerdo exactamente los nombres de los programas que emplearon el siguiente notable instrumental de Jean Michel Jarré, sólo sé que uno fue Telediario, que emitía Canal 7. Inclusive, algunos spots publicitarios ochenteros se adueñaron de esta melodía hipnotizante y cautivadora.




Oxygene


NOTICIEROS
Buenos Días Perú
es el más antiguo de los noticieros matinales de la televisión peruana. Al igual que hoy, en 1981, la gente se despertaba y se enteraba de las noticias a partir de las 5:30 de la mañana ni bien escuchaba la bella cortina musical que se titula Talking out of turn, creada por los talentosos Moody Blues.

De yapa, aquí va la versión completa extraída del millonario álbum Long Distance Voyager, de 1981.



Durante la primera etapa de
Canal 13 (hoy Red Global), el noticiero emblema llevaba como nombre Línea Directa. Para darle mayor seriedad al informativo los programadores no tuvieron mejor idea que elegir como cortina un hit ochentero de la banda Rush: The big money, canción extraída de su álbum Power Windows, de 1985.




Y por ultimo, volviendo a 1981. En el siempre manoseado Canal 7, existía un noticiero llamado Telediario, que iniciaba, primero, con el Oxygene de Jean Michel Jarré, pero luego empalmaba inexplicablemente con Funkytown, de Lipps Inc. Extraña mezcla.




LAS DEL ESTRIBO
En los ochentas, a través de la señal de Radio Panamericana se propalaba el programa Lima de Negro, los viernes a las 9 ó 10 de la noche. No recuerdo exactamente quien lo conducía pero sí la cortina característica del espacio: In the Light, de Led Zeppelin.



Por ultimo, la intro de esta canción de 1980 también ha sido utilizada en innumerables ocasiones para musicalizar tanto programas de televisión y radio, como eventos de belleza. Estas alegres notas pertenecen a la canción In my heart, del grupo norteamericano Freeway, uno de cuyos integrantes, el saxofonista Jean - Pierre Magnet, formaría después Perujazz y Wayruro.




lunes, 29 de junio de 2009

EL REY Y LA REINA

La imagen data de 1981 y fue captada durante la visita que realizó Queen a Buenos Aires para dar un histórico recital en el Estadio Monumental de Núñez, sede del club River Plate. Lo paradójico del asunto es que en plena casa de los "millonarios", rivales a muerte del Boca Juniors, un joven boquense de corazón, Diego Armando Maradona, subió al escenario invitado por Freddie Mercury y, por unos minutos, demostró a tirios y troyanos su genial destreza con el balón. Al despedirse lanzó una frase memorable: "los dejo con mis amigos los Queen". La foto es histórica por dos razones: primero, porque resulta extraño ver a Diego con un atuendo con los colores británicos y, segundo, porque la "sonrisa" que el travieso Freddie dirije a la cámara tenía destino fijo: la junta militar genocida que gobernaba en ese entonces a la nación del Plata.

miércoles, 24 de junio de 2009

“A MÍ CON VIDEOJUEGOS"

No lo digo yo, lo dijo el encanecido Jimmy Page cuando le pidieron su opinión sobre el Guitar Hero y el Rock Band. El ex Led Zeppelin subrayó la inutilidad de estos videojuegos para motivar a una persona a que se aficione a la música, tal como lo anuncian con bombos y platillos sus fabricantes y publicistas.

Lo de Page parecería una pataleta de abuelito renegón, pero no es así. Jack White, la otra pata que sostenía a White Stripes, ha secundado a Jimmy y ha dicho que estos juegos representan una pésima forma de enseñar a la gente a interesarse por la música. “Yo no le diría a la gente cómo aprender a tocar un instrumento musical, pero me daría mucha tristeza y me deprimiría saber que lo hará a través de este tipo de juegos” añadió.

No son los únicos que lanzan dardos a estos juegos. El gran Prince, un histórico del rock y del funky universal, declaró hace poco que les había tirado la puerta en las narices a unos representantes de Activision (fabricantes de Guitar Hero) cuando pretendieron negociar con él a fin de que hits como Purple Rain o When Doves Cry formaran parte del arsenal de música del popular videojuego.

“No estoy enojado con ellos, simplemente escuché que habían hecho como dos mil millones de dólares (por la venta de sus videojuegos) y vinieron a ofrecerme una porción muy pequeña por eso” se quejó el artista de Minneapolis acerca de la tacañería de Activision. El autor de Kiss consideró importante que los niños aprendan a tocar la guitarra de verdad: “A mí me tomó bastante tiempo y fue frustrante al inicio, pero tienes que ser constante”. Sin embargo, como un elegante príncipe y en tono flexible reconoció que estos simuladores musicales sí eran cool para aquellos que no tenían tiempo para aprender los acordes o que no estaban interesados en ello.

Los que sí están echando chispas son los sellos discográficos. La Asociación de la Industria Discográfica Estadounidense (RIAA, por sus siglas en inglés), en un informe de 2008 manifestó que las ventas de discos en dicho año bajaron en 11,8% a comparación de 2007, y que en cifras se traduce en unos 9,256 millones de dólares. Atribuían este descenso a las descargas que se ejecutan desde Rock Band y Guitar Hero. De igual manera, la Warner Music se mandó con todo y exigió a los fabricantes Activision y Mtv Games el 20% del costo de las descargas de las canciones o de lo contrario, impedirían que artistas de su catálogo se incluyan en las siguientes ediciones de los videojuegos.

Pero si en una esquina se ubican los detractores, también hay quienes se han visto favorecidos por la irrupción de estos videogames. Tim Riley, una de las cabezas principales de Activision, ha dicho que los sellos discográficos deberían estar agradecidos a Guitar Hero, puesto que han ayudado a encender en los más jóvenes el interés por aquellos artistas olvidados, que antes vendían entre 25 y 100 discos semanales y que hoy venden miles. “Sin el Guitar Hero, muchos jóvenes no sabrían quienes son Pat Benatar, Billy Idol, Spinal, entre otras viejas glorias del ayer que hasta hace poco estuvieron en el baúl de los recuerdos” añadió Riley.

Otro dato que Page y White desconocen y que proviene de Activision es que la banda de Steven Tyler, Aerosmith, ha ganado más dinero con los royalties de su videojuego que con cualquiera de los catorce discos de estudio publicados hasta hoy. Sin embargo, cabría preguntarse si todos esos royalties son los que en realidad se merecen los autores y compositores de grandes clásicos o es que –tal como dijo Prince- representa una mínima parte de la billonada que se llevan estas compañías por la comercialización de sus videojuegos musicales.

Ahora bien, el argumento de Activision sobre una mejor venta de discos gracias al Guitar Hero (y al Rock Band) podría rozar con la verdad. Lo he comprobado yo mismo. La vez pasada mi sobrino de 13 años de edad me habló sobre sus locas ganas de conseguir música de bandas ochenteras como Asia, Scorpions, Quiet Riot y Accept. Yo no lo podía creer, teniendo en cuenta que la última vez que lo vi –seis meses atrás- me hablaba solamente de Daddy Yankee, Tego Calderón, Héctor el Father y otros individuos ajenos a la escena rockera. ¿Y a su edad cómo llegó a conocer a algunos seres mitológicos del rock? Gracias a que su viejo, mi primo, un sibarita de la música, trajo de su último viaje a Estados Unidos el Guitar Hero Encore: Rocks the 80s. Cuando le informé a mi sobrino que la versión 5 de GH estaba a punto de salir, me dijo que ya estaba enterado y que le interesaría tocar música de Santana, pues lo había visto por televisión y le gustó la forma como “destrozó” su guitarra en el festival de Woodstock. Para rematarla me dijo: “A los Rolling Stones ya los conozco, tengo ya todos sus discos”. Así como va, probablemente mi sobrino le pida a mi primo que le compre una guitarra eléctrica y muchos discos la próxima Navidad. Total, el que puede, puede.

En suma, si la industria musical se está tambaleando por culpa de las descargas ilegales y la piratería (esa es una verdad irrefutable); a la luz de los nuevos acontecimientos, todo parecería indicar que los videojuegos podrían lanzarle un salvavidas para evitar que se ahogue. ¿Será posible eso? ¿Y por qué entonces las discográficas se quejan tanto y arremeten con juicios y demandas contra estos fabricantes de videojuegos? A lo mejor no quieren quedarse con centavos, sino pretenden llevarse una buena tajada de los millones que están obteniendo las compañías de Guitar Hero y Rock Band. La batalla recién está empezando.

viernes, 19 de junio de 2009

Cabezas de tapa II

Esto del Sleeveface me está gustando cada vez más, así que juntaré dinero para darme un paseo por Quilca, Wilson, Galerías Brasil o donde sea para comprar todos los vinilos y las tapas que pueda. No cabe duda que el ingenio humano es inconmensurable.



¿Fast car o Fast bath?





You've got a friend...¡it's a dog!



Un disco de alto relieve con un título en bajo relieve



Linda: "Ay Paul, querido...te dije que te fijaras bien a la hora
de escoger a mi sustituta" (por Heather Mills)
Paul: "Sorry Linda, en lugar de sustituta entendí otra cosa"




Una carrera musical con muchas subidas y bajadas





"Se me cae la cara de la verguenza por no haber cantado
Shock the monkey en Lima"




" I love me, I love, I love me..."



Es bueno airear las
tristezas del espíritu de vez en cuando


"¿Qué yo morí en 1966? no puede ser.
¿Quién soy entonces? ¿Cómo me llamo?"


"Ahí te quedarás castigado por no compartir tus regalías
con tus padres"
(la mamá de Léo)



"Nadie posee una sonrisa tan elegante y angelical
como yo"




"Hey tú, nene...ven conmigo, soy un chico malo"



Me tinca que la dama detrás del disco
es más bella y atractiva que Kylie


"¿Juaaat? aquí dice que mi nombre de pila es Dylan Thomas,
qué tal rocaza, ¿Quién escribió esto?"



- "¡Te voy a hacer pedazos Chispita!"
- "Noooo Meteoro...te prometo que ya no me subiré al Mach 5
ni me llevaré a Trixie a "pasear"
sin tu permiso"



"¿Cómo?...¿Qué los nietos de Elvis Presley y Lou Costello me
denunciarán ante Indecopi?"


"Chicos, chicos...encontré a dos arañas haciendo el amor"



-Cary: "Mel, ya no podemos ocultar a los demás el amor que sentimos"
- Mel: "cierto Cary, por eso traje este disco para que nadie
se gane con lo nuestro"



About a girl...very powerful girl




"Ojalá que la terapia con láser me cure de la otitis"



"Hey Mick, ¿te sobran unos gramitos?"



"¡Caraj...!, ¿no ves que estoy "ocupado"? la próxima vez
toca
la puerta"


miércoles, 17 de junio de 2009

EL ÚLTIMO TRUCO

Cheap Trick, la banda norteamericana perpetradora de clásicos como Dream Police, Surrender, The Flame, Ghost Town, Aint that a shame y la saturante I want you to want me, este último extraído del multimillonario disco en vivo Live at Budokan, que les sirvió para darse a conocer en su propio terruño, acaba de editar su más reciente placa discográfica: The Latest.

Según se informa en la página web del grupo, el disco estará en vitrinas gringas recién a mediados de julio, pero se le podrá solicitar vía Internet a partir del 23 de este mes; el mismo día que inicien su gira por Estados Unidos junto a Def Leppard y Poison (¿algún empresario se animaría a traer este combo musical a Lima?).

Como un adelanto, los truqueros nos presentan cuatro temas del The Latest, los cuales, tras haberlos escuchado, puedo decir que conservan el estilo hard rock - pop melódico que ha caracterizado al grupo en sus 35 años de carrera musical. Se aplaude el regreso de estos dinosaurios y esperamos que el título del álbum no sea un presagio de un futuro desbande.



Desde sus inicios en 1974, Cheap Trick ha estado conformado por Rick Nielsen (genial compositor y guitarrista –vean su solo en Dream Police), Robin Zander (vocalista), Tom Peterson (bajista) y Bun E. Carlos (baterista). Una curiosidad: Rick y Bun colaboraron con John Lennon en las grabaciones del Double Fantasy, en 1980.

Aparte del Live at the Budokan (1979), en mi opinión sus mejores álbumes son Dream Police (1979), Lap of Luxury (1988) y Special One (2003).

Para terminar, The Latest contiene el siguiente track list:

Sleep Forever (1:37)
When The Lights Are Out (3:26)
Miss Tomorrow (4:11)
Sick Man of Europe (2:08)
These Days (2:44)
Miracle (3:47)
Everyday You Make Me Crazy (1:17)
California Girl (2:47)
Everybody Knows (4:16)
Alive (3:36)
Times of Our Lives (3:59)
Closer, The Ballad of Burt and Linda (3:00)
Smile (4:12)

martes, 16 de junio de 2009

ALTURAS DE MACHU PICCHU

Reviso uno de los blogs del diario El Mercurio y tropiezo con una encuesta que busca al mejor disco de rock chileno de todos los tiempos. Leo las opiniones y me doy cuenta que una gran mayoría de lectores considera a Alturas de Machu Picchu (1981), de Los Jaivas, como el disco más representativo del rock del Mapocho. En el primer día de sondeo, Alturas…lideraba la lista seguido por La Voz de los Ochenta, de Los Prisioneros, pero como van las cosas lo más probable es que el liderazgo de Alturas continúe en los siguientes días.

La idea de concebir Alturas de Machu Picchu nació de la cabeza de un peruano: Daniel Camino, quien como gran admirador (¿quién no lo es?) de la poesía de Pablo Neruda soñaba con musicalizar sus bellos poemas en los que canta deslumbrado a la grandeza de la creación humana que edificó esa maravillosa ciudad al pie de las nubes.

A Camino no le fue fácil convencer a Los Jaivas embarcarse en este proyecto. Y es que al principio, los chilenos no tomaron muy en serio la idea de Camino, pero luego de darle vueltas al asunto pusieron instrumentos e inspiración a la obra. Transcurrido el tiempo, Alturas…se ha convertido en un disco de culto y, quizás, en uno de los trabajos más célebres de esta banda chilena a lo largo de sus 46 años de exitosa trayectoria.

Les presento extractos del especial de televisión que Los Jaivas grabaron en las alturas de Machu Picchu, casi besando el firmamento, entre el 9 y el 12 de septiembre de 1981. La producción estuvo a cargo de Canal 13 (Chile) y Radio Televisión Peruana (RTP) y, como verán, lo presenta el también célebre escritor Mario Vargas Llosa, por la misma época en la que conducía su programa domininical La Torre de Babel.









A propósito, pienso en voz alta: ¿Desde esa época hasta hoy, alguno de ustedes sabe, conoce o está enterado si algún solista o banda de rock peruana haya solicitado apoyo económico para realizar un proyecto musical similar al de Camino y Los Jaivas? Me alegra cuando se vencen las fronteras y se forjan alianzas entre artistas de diferentes nacionalidades porque, al fin y al cabo, el arte es universal y no enarbola banderas; pero como que saca roncha no escuchar, hoy, iniciativas musicales vinculadas al rock nacional o a algún otro género que intenten encumbrar nuestra milenaria riqueza cultural. Como diría Vallejo: Hay, hermanos, mucho por hacer.

domingo, 14 de junio de 2009

MUÑECAS EN FA…MAYOR

Desde la antigüedad, las musas y las ninfas han sido fuente de inspiración para la música y la poesía. Se le canta a la mujer amada, a la añorada, a la apetecida, a la prohibida, a la vanidosa, a la glamorosa, a la heroína, a la felona, a la frívola, y a la que yace en el santuario del amor truncado. En fin, canciones para todos los gustos con nombre propio y aroma de jazmín que el rock ha germinado para gozarlas con ardorosa pasión y frenético placer. He aquí algunas de ellas.

Candy
Iggy Pop & Kate Pierson

¿Se imaginan al famélico y disipado Iggy padeciendo de mal de amores? En este excelente tema de traza popera de su álbum Brick by brick (1990), la iguana se descama y muestra su piel vulnerable y nostálgica por Candy, un amor juvenil que un día lo dejó solo junto con su guitarra y cuyo recuerdo sigue clavado como espina en su revejido corazón. A dúo con Kate Pierson (voz de B-52), Iggy versea: “Candy, Candy, no puedo alejarte de mí. Todo el tiempo me estás agobiando, Te amo tanto. La vida es loca, nena”. Un reptil de tierno y sensible corazón había resultado el gran Iggy.


Oh, Sherrie
Steve Perry
Steve ejecuta este himno romántico dedicado a la nena que huye despavorida tras un infighting casero. Sin embargo, Sherrie resultó más cool que la radical Candy, y antes de acabar la canción (mejor dicho, el video) regresa a los brazos del decaído varón para vivir felices hasta que se acaben las perdices. Memorable hit del álbum Street Talk, de 1984, en la que encontramos un conjunto de buenas canciones interpretadas por un Steve Perry inspiradísimo y con las pilas alborotadas tras su separación temporal de la banda Journey.



Beth
Kiss
Ay Beth, el día que te enteres de las fechorías que hace tu marido cuando dice que está trabajando, dejarías de ser la ejemplar esposa y sacrificada madre que eres, para volverte una Lorena Bobbit cualquier noche en la que el zamarro llegue a casa apestando a alcohol y perfume barato. El batero Peter Criss (The Cat) compuso esta melosa canción en 1976 para el álbum Destroyer, un clásico de la historia de la música. Y pensar que ni a Simmons ni a Stanley les gustó la canción al principio porque -dijeron- era demasiado lenta para la banda. Eso sí, los pintarrajeados no fueron nada lentos cuando fueron a cobrar las millonarias ganancias que dejó este disco gracias a Beth. Para astuto, el gato.


Kimberly
Patti Smith
Kimberly es el nombre de la menor de las cuatro hermanas de Patti y un tierno suspiro en medio de la atmósfera telúrica del disco Horses, de 1975. Sin complejos y con voz atormentada, la poetisa del punk desnuda su talento para mostrarnos un retazo de su infancia pobre pero feliz, según su propia confesión: “Vivíamos en un granero viejo y abandonado donde cayó un rayo después del nacimiento de Kimberly. Yo salí con ella en brazos a mirar el granero en llamas. Cientos de murciélagos vivían dentro y se los oías gritar”. Patti Rules.


Suzie Q
Creedence Clearwater Revival
Si como decían antes, detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, en este caso cabría decir que detrás de toda buena banda hay una canción con olor a fémina. Y es que la bella Suzie Q, tema de 1957 escrito por Dale Hawkins, impulsó la carrera de CC Revival hasta la cúspide de la fama gracias a su inmortal riff. ¿Quién es Suzie Q? simplemente, como dice la letra, es alguien a quien amas, te gusta ver caminar, hablar y, sobre todo, te es fiel.


Black Betty
Ram Jam
Un súper danzable y frenético one-hit-wonder incluido en el disco debut de 1977 de este grupo cultor del blues y el hard rock. Cuentan que la versión primaria de esta canción aludía a un rifle o Mosquetón del siglo XVIII al que los soldados llamaban Black Betty, pues tenía la culata pintada de negro. Dicen, además, que el “bambalán” de la letra se refiere a la explosión que se escuchaba al activar el gatillo del arma. Sin embargo, el mensaje encierra una triste historia de incesto y violación. En su momento, activistas antirracismo en Estados Unidos acusaron a la canción de racista porque, supuestamente, insultaba a las mujeres negras.


Kayleigh
Marillion
Adorable criatura nacida en la etapa más fértil de esta banda británica de rock progresivo liderada, en ese entonces, por Fish. El Misplaced Childhood, de 1985, fue catalogado por muchos como el más comercial de los discos de Marillion, aunque dicho calificativo no le resta un ápice de conceptualidad a la obra. Kayleigh se bambolea entre un pop suave y una celosa instrumentación que lo hace escucharse joven a pesar de los años. La letra sirve de pañuelo al llanto delicado de un hombre que se latiguea por haber alejado a la ninfa de sus sueños. “Kayleigh, ¿es demasiado tarde para pedir perdón? ¿Podemos estar juntos otra vez? Nunca pensé que te extrañaría tanto”. Lo cursi no le quita exquisitez a esta canción.


Sweet Lorraine
Uriah Heep
“¿Te gustaría tomar esta poción mágica conmigo? ¿Hacer un viaje cósmico hacia tierras lejanas? Ella entiende, ya estuvo allá, en sus manos está el encontrar la puerta”. Parte de la tentadora letra evidencia la catadura más rockera de esta banda británica setentera. Curioso caso el de los Uriah: así como su nombre fue tomado de un malévolo y sombrío personaje de la novela David Copperfield, de Charles Dickens; su recorrido musical de alguna manera estuvo ensombrecido por bandas de mayor arrastre como Led Zeppelin, Deep Purple, Yes y King Crimson.

Athena
The Who
Cuando Pete Townshend conoció a la actriz Theresa Russell, quedó seducido por su blonda cabellera, sus ojos verdes y su mirada felina. La artista le preguntó: ¿who are you?, y cuando le vio la cara al viejo rockero, lo choteó. Pete, herido por el puñal del rechazo, escribió con sangre esta canción a la que tituló Athena (para evitar el roche, quizá). La rola fue incluida en el álbum, It’s hard, de 1982. “Athena, todo lo que quiero es complacerla, mi vida se ha ordenado y ella es la razón, sólo una palabra de ella y mis problemas acabarán, ella sólo es una chica, es una bomba”. Pobre Pete, ni su genialidad ni su abultada billetera convencieron a la bomba rubia.

Sweet Jane
The Velvet Underground
Loaded es un disco controversial por donde se le escuché. En una esquina están aquellos que lo odian porque significó un paso en falso de los Velvet hacia al infierno corruptor de lo comercial; en la otra, se apoltronan aquellos que le rinden pleitesía por contener las canciones más notables de la historia del grupo (algo en lo que no estoy del todo de acuerdo). Sea como fuere, Sweet Jane brotó de la imaginación genial de Lou Reed para convertirse en un clásico de todos los tiempos. La versión en vivo de 1978 resulta sumamente atractiva por el divertido intercambio de sopapos y caricias verbales entre Lou y sus enfervorizados fans.

Melissa
The Allman Brothers Band
Entrañable balada creada por Greg, el menor de los Allman, y que por esas cosas del orinoco no fue hit ni en Estados Unidos ni en ninguna otra parte del mundo. Formó parte del magistral álbum doble Eat a peach, de 1972, disco que fue lanzado pocos meses después de la muerte de su hermano mayor Duane. Según el mismo Greg, Melissa llegó a su vida de pura casualidad, como el amor verdadero: un día, cansado de tocar covers decidió a escribir algo de su propia inspiración. Al terminar la letra de una canción faltaba ponerle un nombre de mujer: ¿Bertha? ¿Diane?...ninguno le gusto. Días después, mientras andaba de shopping escuchó a una señora llamar a su pequeña hija “Melissa, ven aquí”. Greg quedó enamorado del nombre, se olvidó de las compras y corrió a terminarla y cantarla.

Mustang Sally
Buddy Guy
Fornida versión de este clásico que, a decir de los entendidos, es al blues lo que Strairway to heaven es al rock. Compuesta en 1965 por Mark Rice, fue Wilson Pickett quien al año siguiente la desancló del rythm & blues para colocarla en la palestra del pop. La señorita Sally es en realidad la cantante Della Reese, quien soñaba día y noche con tener a sus pies un Mustang 1965. Rice escuchó el petitorio de la bella dama y escribió la canción a la que tituló Mustang Mama, pero a sugerencia de Aretha Franklin cambió el Mama por el tierno Sally. Sabia decisión, porque ni Della ni Mama daban la talla para ir al volante del soñado Mustang.


Maggie May
Rod Steward
Un poema a la pérdida de la inocencia. Rod nos narra lo terrible que se sintió cuando a sus dulces 16 perdió la pureza a manos de Maggie, una mujer madura y curtida que, para colmo de males, rompió el corazón del mozuelo. Años después, siendo aún miembro de The Faces, Rod musicalizó su temprana vivencia sexual en una canción que se convirtió en un rotundo hitazo mundial. Lo mejor es que el escocés ni siquiera buscó a la “tía” Maggie para compartir las ganancias y recompensar así su ardiente performance. Linda forma de vengarse. El intro de cuerdas es uno de los mejores que he escuchado en mi vida.